Ich finde diese Western-Filme ja unglaublich langweilig. Irgendein dahergelaufener, ungewaschener Dreitagebart legt sich mit einer Horde ebenfalls ungewaschener, sadistischer Schurken an. Knallt sie der Reihe nach ab. Beeindruckt damit eine Saloonschönheit. Knallt auch noch den Oberschurken ab. Heiratet die Saloonschönheit.

Ich wollte im Wilden Westen endlich mal was Spannendes erleben, deshalb holte ich mir das Videospiel “Damnation”. Die Story klang ganz nett. Steampunk halt. Das Genre, in dem alle Maschinen mit Dampf betrieben werden. Also nicht nur Dampfturbinen und Dampfbügeleisen, sondern auch Computer, Raumschiffe und USB-Sticks. Steampunk verströmt so ein heimeliges Gefühl von handgemachtem Hightech. Vergangenheit und Zukunft befinden sich im Einklang. Mit der einen Hand programmiert man Cpluspythonirgendwas, mit der anderen Hand trinkt man Tee aus einer viktorianischen Tasse, den kleinen Finger stilvoll abgespreizt. So ist Steampunk.

Weniger heimelig geht es in “Damnation” zu. Amerikanischer Bürgerkrieg, North vs. South, plötzlich werden Steampunk-Waffen erfunden. Ein Typ namens Prescott verkauft die dampfbetriebenen Schießeisen an die Yankees und die Dixies, sie machen sich gegenseitig platt und Prescott, diese Mischung aus Zorro und Darth Vader, hat freie Bahn. Mit einer Horde gedopter Zombie-Soldaten möchte er auch noch die letzten freien (und ungewaschenen) Menschen unterjochen. Die wenigen Widerständler scharen sich um das bruce-willieske Rauhbein Hamilton Rourke. Gemeinsam versuchen die Rebellen, das Vorrücken der überausgerüsteten Freak-Armee zu stoppen. Und Rourke – der sind wir – muss nebenbei noch seine Geliebte wiederfinden, die in den Kriegswirren abhanden kam.

“Damnation” wurde in der dampfbetriebenen Marketing-Sprache als “erster vertikaler Shooter” gepriesen. Ich sehe zwar keinen qualitativen Unterschied darin, ob man waagrecht, senkrecht oder oder schräg ballert, aber ein bisschen Höhenangst kann ja nicht schaden – die hat mich schon als Kind auf der Aussichtsplatzform des Freiburger Münsters fasziniert. In “Damnation” gibt es jede Menge Industrieruinen und Canyons, auf die man draufklettern oder in die man reinstürzen kann. Oft stehen Zombie-Soldaten exponiert in der Gegend rum, die kann man dann abschießen und in den Abgrund stürzen sehen – schön. Unser Rourke ist ein strammer Klettermax, ein Eichhörnchen in Lederkluft: Behende springt er von Brüstung zu Balkon, schwingt sich rückwärts durch offene Fenster und robbt an Straßenlaternen hoch, ganz ohne die Beine zu benutzen. Endlich mal ein Held, der nicht schwitzend und saufend in irgendwelchen Kneipen abhängt, sondern Initiative zeigt. The sky is the limit.

An Sprengstoff soll man nicht sparen

Rourke ist nicht nur ein guter Freeclimber, sondern auch ein prima Kumpel. Warum auch sonst würde er mit einem Haufen talentfreier Rebellendarsteller durch die Lande ziehen? Da gibt es den angegrauten Wissenschaftler, der immer Sprengstoff sparen will, obwohl Sprengstoff bekanntlich eine Basiszutat von Action-Computerspielen ist. Dann wäre da noch die Wildwest-Amazone, deren Daseinsberechtigung offenbar auf ihre Leichtbeschürztheit zurückzuführen ist. “Unterstützung” erhält das Trio Infernale von einem Eso-Indianer, der in einer Felsenhöhle wohnt und dank unbekannter Drogen hellseherische Fähigkeiten besitzt. Später stößt noch ein mexikanischer Widerstandskämpfer hinzu, der einen unglaublich nervigen s-panisen Akzent besitzt. Wenigstens spricht er von “Terra Verde” und nicht von “Terra Verte”, wie es immer in den Untertiteln steht.

Von Wikipedia habe ich gelernt, dass es im Steampunk auch Dinge gibt, die es eigentlich gar nicht gibt, zum Beispiel Magie, Satanismus und Geisterbeschwörungen. In einem “normalen” Computerspiel würde ich auftretende Fehler einfach “Fehler” nennen, aber vielleicht sind das in “Damnation” einfach Raum-Zeit-Anomalien, die von den Programmierern dramaturgisch geschickt eingebaut wurden. Folglich macht es keinen Sinn, wenn ich mich über gestorbene Gegner aufrege, die zappelnd in der Luft schweben, wenn ich mich über noch lebende Gegner wundere, die mich mit ihren schrottigen Pistolen aus mehreren Kilometern Entfernung treffen, oder wenn ich Einspruch gegen diese klotzigen Steampunk-Motorräder einlege, die nicht über, sondern durch den Boden fahren. Wie sagte doch der Eso-Indianer? “Sie schänden die Erdenmutter ohne Rücksicht.”

Nein, nein, nein. “Damnation” als Dampfschrott zu bezeichnen, wäre einfach nur ungerecht. Die Landschaftstexturen sind nicht einfach nur matschig-braun, sondern passen perfekt zu der depressiven Stimmung des amerikanischen Bürgerkriegs. Und Rourkes Kollegen sind nicht einfach nur dämlich, wenn sie sich mitten ins Feindfeuer stellen, zusammensacken und so lange rumjammern (”Mir geht’s nicht so gut”), bis Rourke sie “heilt”. Nein, dies ist ein Prüfstein für wahre Solidarität, für Bürgersinn, Mut und Nervenstärke. Und dann die hanebüchenen Zwischensequenzen, lächerlichen Dialoge, sinnlosen Kameraschwenks, verpeilten Synchronsprecher: Alles nur Prüfsteine.

Fazit: Wer immer schon nichts über den amerikanischen Bürgerkrieg wissen wollte, dazu noch auf schlechte Unterhaltung und fehlerhafte Software steht, der sollte dieses Spiel nicht kaufen. Denn es ist schlicht und ergreifend eines: nämlich perfekt.

“Damnation”: Die Website zum Spiel

Dies ist ein Beitrag zum Blog-Karneval “Software, die nervt” auf Loadblog.

In der Geschichte der Computerspiele ist die bedrohte, verletzte, zerstörte Stadt ein lohnendes Motiv. Nach dem 11. September 2001 gab es jedoch zunächst nur wenige Studios, die sich an dieses heiße Thema trauten. Lieber suchte man seine Inspiration in den üblichen WW2-Szenarien oder in den Sternenkriegen der Zukunft. Spiele mit direktem 9/11-Bezug stießen stets auf scharfen Protest, beispielsweise das Flash-Game “New York Defender”, bei dem man in bester Moorhuhn-Manier heranfliegende Flugzeuge vom World Trade Center fernhält. Auch “Bad Day L.A.”, die Apokalypse-Satire des notorisch unkorrekten Doom-Mitentwicklers American McGee, wurde von den Mainstream-Medien abgewatscht.

Wer als Spiele-Entwickler politische Brisanz vermeiden wollte, ließ statt eines terroristischen Anschlags lieber eine Naturkatastrophe über die Menschen hereinbrechen. In “Disaster Report” (2003) wird die fiktive Stadt von einem Erdbeben getroffen, und in dem für 2010 geplanten “I am alive” erschüttert ein Erdstoß Chicago. Allerdings scheint die Zeit inzwischen wieder reif für menschengemachte Katastrophen, die Großstädte heimsuchen. 2009 wählen gleich drei Spiele dieses Szenario: In “Bionic Commando” wird eine experimentelle Bombe gezündet, die ein verheerendes Erdbeben auslöst. In “Prototype” lässt ein künstliches Virus die Bewohner von New York zu Zombies mutieren. Und im gerade veröffentlichten PS3-Titel “inFamous” ist es die besagte Bombe, die Empire City an den Rand des Abgrunds bringt.

Es verwundert nicht, dass keine der Hauptfiguren aus diesen drei Spielen als Lichtgestalt daherkommt – längst hat der “Kampf gegen den Terror” seine Schattenseiten offenbart. George W. Bush wurde zur tragischen Figur, weil er die Macht, die ihm nach dem 11. September in die Hände fiel, so hemmungslos missbrauchte. “inFamous” stellt seinen Protagonisten Cole ebenfalls vor moralische Entscheidungen. Dabei hatte der sich um die Superhelden-Rolle keineswegs gerissen. Als Fahrradkurier soll Cole eigentlich nur ein Päckchen abliefern, nicht ahnend, dass es eine Bombe birgt. Die Explosion verleiht ihm übernatürliche Kräfte: Er kann jetzt mit den Händen Blitze schleudern, einen elektrischen Schutzschild um sich errichten oder auch flächendeckende Entladungen verursachen.

Dem unbeschwerten Genuss seiner neuen Fähigkeiten steht allerdings entgegen, dass Cole als Sündenbock für die Explosion herhalten muss: Die Einwohner von Empire City misstrauen ihm, und auch seine Freundin Trish, deren Schwester durch die Bombe ums Leben kam, sagt sich von ihm los. Der Einzige, der noch zu ihm hält, ist Zeke – ein nerviger Elvis-Verschnitt mit wenigen Talenten. Cole steht nun vor einer schwierigen Wahl: Entweder er macht den Urheber des Anschlags dingfest und wäscht sich von aller Schuld rein – oder er gibt einen Dreck auf die öffentliche Meinung und genießt die Rolle des Superschurken. Ohnehin wird die Stadt bereits von Verbrecherbanden kontrolliert, die sich das allgemeine Chaos zunutze machen. Weil seit der Bombe auch noch eine Seuche grassiert, hat die Regierung Empire City unter Quarantäne gestellt und hermetisch abgeriegelt.

Cole kann also in keinem Fall neutral bleiben gegenüber dem Schicksal der Stadt. Er kann nicht – wie Niko Bellic, der Protagonist aus “GTA IV” – eine Existenz als Söldner fristen. Nicht einmal ein Doppelleben à la Batman oder Superman ist Cole vergönnt: Er ist der öffentliche Held, der überall erkannt wird. Passanten beschimpfen ihn und werden auch schon mal handgreiflich, aber sobald sein Karma durch gute Taten steigt, loben sie ihn und suchen seine Hilfe. Mit Figuren, die weinend auf der Straße sitzen und um ihre toten Angehörigen trauern, wollen uns die “inFamous”-Macher von Sucker Punch das Mitleid förmlich aus der Nase ziehen. Sie wollen unsere Moral kitzeln, indem sie nur die Spezialisierung auf Gut oder Böse mit mächtigen Zusatzfähigkeiten belohnen.

Ganz offensichtlich will “inFamous” mehr sein als ein Spiel mit Hochglanz-Grafik und knallender Action, doch scheitert es an diesem Anspruch. Das Moralsystem ist völlig berechenbar: Sackt der Tugend-Pegel einmal ab, weil man eine schlechte Tat begangen hat, lässt sich das mit einer guten Tat rasch wieder ausgleichen – und umgekehrt. Dahinter steckt ein additives Verständnis von Moral, das in so mancher Religion ähnlich ausgeprägt sein mag. Für ein Computerspiel, das auf Spannung ausgelegt ist, hat es aber in jedem Fall nur begrenzten Wert: Es ist schlichtweg zu vorhersehbar.

Dass “inFamous” auf der Moral-Ebene nicht berauschend Neues bietet, ist allerdings auch nicht wirklich schlimm. Denn ein Spiel, das so viel Oberfläche hat, braucht schlichtweg keine Tiefe. Das mit der Oberfläche ist durchaus wörtlich zu nehmen: “inFamous” setzt konsequent auf die Vertikale und schafft damit einen dreidimensionalen Erlebnisraum, den sich der Spieler so gründlich einverleiben kann wie nie zuvor. Games wie “Assassin’s Creed”, “Prince of Persia”, “Bionic Commando” oder “Mirror’s Edge” wagen sich zwar ebenfalls hoch hinaus – aber bei keinem dieser Spiele ist das Leben in luftigen Höhen so selbstverständlich Teil des Gameplay.

Jede Fassade bietet genügend Angriffspunkte für unseren versierten Kletterer Cole; mit der Gewandtheit einer Katze springt er von Sims zu Sims, balanciert über Regenrinnen und Hochspannungsleitungen. Immer wieder geht der Blick hinab in gähnende Abgründe, doch anders als in anderen Spielen ist die Höhe keine Gefahr. Genüsslich wagt man die riskantesten Sprünge oder lässt sich einfach über die Dachkante ins Nichts fallen, denn Cole ist nicht einmal durch hundert Meter tiefe Stürze verwundbar. Nur Fliegen ist schöner – und selbst das kann er über kürzere Strecken. Auch die Schlachten sind ganz großes Action-Kino: Cole lässt Autowracks durch die Luft wirbeln, surft kämpfend über S-Bahn-Schienen und lähmt ganze Gegner-Scharen mit einem gewaltigen elektrischen Impuls. Die Energie, die er verbraucht, zapft er von Straßenlaternen, Telefonzellen oder Autos ab – nicht besonders logisch, aber sehr praktisch.

Natürlich wird auch das actionreichste Spiel irgendwann langweilig, wenn die Story nicht mithalten kann. “inFamous” gibt sich redliche Mühe, immer wieder neue Figuren ins Feld zu führen, doch leider bleiben diese weitgehend blass. Die zahlreichen Nebenmissionen dienen vor allem dazu, Cole mit heiß begehrten Karma-Punkten zu versorgen, ähneln sich aber nach einer Weile auch zu stark. “inFamous” hat bei weitem nicht die Handlungstiefe und den Witz eines “GTA IV”, bietet dafür aber fulminante Jump’n'Run-Action, die selbst den reichlich bleichen Matrix-Neo vor Neid noch bleicher werden lässt.

Die Website zum Spiel

Da der letzte deutsche Vertreter Bayern München schon in der Runde der letzten Acht gegen Messi und Kollegen rausgeflogen war, konnte ich mir am Abend des entscheidenden Spiels entspannt anschauen, was unsere europäischen Nachbarn auf ihrer Insel fabriziert haben. Gibt es eigentlich noch jemand außer mir, der Sportsimulation und MMO nicht zusammen bringen kann? Wie auch immer, Empire of Sports ist (noch?) gratis und versucht den Rundumschlag: Tennis, Basketball, Fußball, Ski, Bob und Leichtathletik sind spielbar.

Fußball mit fünf gegen fünf  ist zu wenig für mein PES-konditioniertes Selbstverständnis. Dazu lahmes Gameplay, dumme KI, schnarch. Kurzes Interesse flammte auch bei Tennis auf. Ich erinnerte mich, wie lange mich Great Courts 2 an den Controller gefesselt hatte, spielte die Tutorials, das erste Match – und war gelangweilt. Auf Hochspannung bei Leichtathletik hatte ich danach auch keine Lust mehr. Durch die Pseudo-Second-Life Welt zu laufen ohnehin nicht. Permanent war das Gefühl da, ich könnte just in diesem Moment etwas besseres zocken.

Früher, da war Ghat ein Corwid. Wild und unabhängig, so wie seine Brüder und Schwestern. Kein Sklave der Wirklichkeit wie die gewöhnlichen Menschen. Frei, der inneren Stimme zu gehorchen – auch wenn die Stimme von Zerstörung sprach, auch wenn sie die totale Anarchie predigte. Es hieß, die Corwid seien wahnsinnig, aber das war nur die halbe Wahrheit. Sie taten nur das, was ihre Bestimmung war. Oxameter wollte immer geradeaus, deshalb lief sie ständig gegen Bäume. Helim wollte unsichtbar sein, deshalb riss er allen anderen die Augen aus dem Kopf. Gabel fraß Menschen, so war er nun mal. Und Animasta ließ sich fressen, sie wollte es so.

Ghat aber wollte sich nicht fressen lassen. Stattdessen wollte er alles wissen über seine Herkunft, über die mächtige Vater-Mutter, die sie alle gezeugt und geboren, aufgezogen und zu dem gemacht hatte, was sie jetzt waren. Aber Vater-Mutter hatte ein dunkles Geheimnis, und als Ghat es herausfand, packte ihn der blanke Hass. Er wollte Vater-Mutter töten, doch der Anschlag misslang. Jetzt muss Ghat fliehen – seine Geschwister sind ihm dicht auf den Fersen.

Die Handlung, in die uns “Zeno Clash” stürzt, ist von archaischer Kraft: Ein Einzelner erhebt sich gegen eine Horde von Wahnsinnigen. Und weil er selbst aus dieser grausamen Sippe stammt, ist seine Mission äußerst zwiespältig. Die Monster, die er bekämpfen und besiegen muss, diese abstoßenden Mischwesen aus Mensch und Tier, sind seine Brüder und Schwestern. Wer gibt ihm das Recht, sie von ihrem Schicksal zu erlösen? Gibt es überhaupt ein besseres Leben für sie? Ghat ahnt, dass dem so ist. Und dass er Vater-Mutter töten muss, um weiteres Unheil zu verhindern. Diese Erkenntnis macht ihn zum Outlaw, zum Gejagten. Gemeinsam mit der geheimnisvollen Deadra flieht Ghat aus der Stadt Halstedom, einer bizarren Ansammlung von Felspalästen, hinaus in die Weiten von Zenozoik. Doch in den Wäldern, Sümpfen und Wüsten dieser Wunderwelt warten neue Gefahren; mit blanker Faust und grotesken Waffen bahnen sich die Flüchtenden ihren Weg durch Heerscharen von Corwid-Schergen.

Vom Setting her könnte “Zeno Clash” ein Fantasy-Epos sein – tatsächlich aber ist es das wohl fantasievollste Beat’em’up der nicht mehr ganz so jungen Computerspielgeschichte. Rund neunzig Prozent der Spielzeit bestehen aus beinharten Kämpfen – und diese erbarmungslosen Prügeleien sind mindestens ebenso beeindruckend wie die farbenprächtige Kulisse und die bizarren Charaktere. Ghats Schläge und Tritte kommen mit einer Wucht, die fast schon körperlich spürbar ist. Massive Seitwärtshaken brechen die Defensive der Gegner auf, schnelle Punches bereiten den Knock-Out vor: wahlweise einen krachenden Tritt vor die Brust oder einen deftigen Ellenbogen-Check auf den Schädel. “Zeno Clash” ist brutal, gewiss, verzichtet aber auf unnötige Splatter-Effekte.

Die vielfältigen Kampftechniken der Corwids verlangen immer wieder neue Block- und Konter-Strategien. Die werden Ghat von Matamok beigebracht, einem mysteriösen Lehrmeister, der immer wieder in Rückblenden auftaucht. Unterwegs finden Ghat und Deadra bizarre Schlag- und Schusswaffen, beispielsweise eine Flinte aus Knochen oder eine Fischpistole. Im Infight mit mehreren Corwids sind diese Kampfwerkzeuge eher hinderlich, bei Boss-Gegnern jedoch unverzichtbar. Ganz besonders dann, wenn der Boss-Gegner ein blinder Scharfschütze ist, der auf dem Kopf eines turmhohen Kamel-Sauriers thront und Ghat mit Eichhörnchen (!) bewirft, die an Fallschirmen herabsegeln und Dynamitstangen auf dem Rücken tragen.

Höllenwesen à la Bosch

Hinter der fiebertraumhaften Welt von Zenozoik steckt der chilenische Independent-Entwickler “ACE Team”. ACE, das sind die Initialen der drei Brüder Andres, Carlos und Edmundo Bordeu – ein Trio, das früher Mods für Doom und Quake entwarf. Für ihr erstes kommerziellen Projekt “Zeno Clash” ließen sie die ausgetrampelten Action-Pfade weit hinter sich. Im Interview mit horrorstyle.com nennt Andres Bordeu die Höllendarstellungen des mittelalterliche Malers Hieronymous Bosch, die Fantasy-Illustrationen von John Blanche und den Film “The Dark Crystal” von Jim Henson/Frank Oz als Haupt-Inspirationsquellen. Damit nicht genug: Die bizarre Architektur schwankt irgendwo zwischen Antoni Gaudi und Star Wars, die surrealen Landschaften könnten von Salvador Dali stammen, und auch David Cronenbergs Film “eXistenZ” wird in den Knochen-Waffen zitiert. Nicht zu vergessen: Jodorowsky, del Toro, Gaiman …

Es ist das Verdienst von Chef-Designer Edmundo Bordeu, aus dieser Vielzahl von Einflüssen ein stimmiges Ganzes gezimmert zu haben. Schade nur, dass diese fantastische Welt nicht viel mehr ist als eine Kulisse für die spaßigen, aber irgendwann auch routinierten Prügel-Orgien. Viel lieber, als nur von einer Kampf-Arena zur nächsten geschleust zu werden, würde man Zenozoik frei erkunden. Immerhin haben die Bordeu-Brüder das Story-Ende so weit offen gelassen, dass eine Fortsetzung wahrscheinlich ist. Das ACE-Team dürfte mit “Zeno Clash” genügend Geld einnehmen, um ein Sequel zu finanzieren.

Einige kleinere Schwächen mag man dieser beeindruckenden Independent-Produktion getrost verzeihen. Mit 4-6 Stunden Spielzeit ist “Zeno Clash” vergleichsweise kurz. Auch hängt die Story im letzten Drittel ein wenig durch. In den Kämpfen ist von Nachteil, dass sich die Tastenbelegung nicht ändern lässt. Mit “E” nimmt man Waffen auf, sammelt Gesundheits-Früchte und zentriert seine Angriffe auf einen bestimmten Gegner – in den turbulenten Prügeleien lässt sich das nur bedingt auseinanderhalten. Zu guter Letzt hätte ich mir auch einen Multiplayer-Modus gewünscht – ein Feature, das die Entwickler hoffentlich bald nachschieben werden. In jedem Fall ist “Zeno Clash” mit 15,99 Euro (via Steam oder Direct2Drive) ein echtes Schnäppchen – und jetzt schon eines der besten Spiele des Jahres.

Website zum Spiel
Demo bei Steam

Entwickler Lazy8Studios stellt den Spieler vor 50 Mechanik-Rätsel, bei denen es gilt, Zahnräder und Dampfröhren so zu verschieben, dass alles wie vom Erbauer erdacht ineinander greift. Klingt einfach, doch der Schwierigkeitsgrad steigt schnell an. Schon nach einigen Runden wird es richtig knifflig: Mal muss der Spieler bei seinen Aktionen Vor- und Rückseite des Puzzles beachten, dann gilt es verschiedene Dampffarben zu einer neuen zu mischen, ein Glockenspiel mit vorgegebener Tonfolge zu bauen oder einer Rakete einen Antrieb zu verpassen.

“Cogs” belohnt den Spieler mit Bronze-, Silber- und Gold-Awards, je nachdem, ob er die Lösung schnell oder in besonders wenigen Zügen findet. Ein typisches Casual-Game, das sehr schnell eine nicht von der Hand zu weisende Sogwirkung entfaltet. Sehr, sehr nett.

“Cogs” gibt es für 8,99 Euro via Steam

Freunde aktionsgeladener Strategie, aufgemerkt: Das Sammelkarten-Echtzeitstragegie-Gemisch “Battleforge” mischt das Genre ordentlich auf – und sieht dabei auch noch verdammt gut aus. Lord Gimp hat Kabumm-Brüder, Nekrobestien und Grimmranken aufeinander gehetzt.

Kennt noch jemand Etherlords? Ein russisches Rundenstrategiespiel, dass auf der Spielmechanik von Sammelkartenspielen à la “Magic – The Gathering” beruhte. Für mich ist das bis heute die beste Umsetzung des “Magic”-Prinzips, weil man seine Figuren nur während der Duelle mit Zaubersprüchen aufwerten konnte, Mana erst ansammeln musste und so die taktischen Elemente des Kartenspiels in dem Computerspiel sehr gut zur Geltung kamen. Der Playstationtitel “Eye of the Judgement” war zwar technisch ganz lustig, weil er echte Karten mit der Eyetoy-Kamera auf den Bildschirm zauberte, aber das 3×3 Felder große Spielfeld erinnerte dann doch eher an TicTacToe. Und nun: “Battleforge”.

Qual der Wahl

“Instant Action” heißt das Motto, das sich Entwickler Phenomic (”Spellforce”) auf das Banner geschrieben hat. Und die Abkehr vom alten Echtzeitstrategie-Gehabe mit Basenbau, Einheitenrekrutierung und mühsamem Micro-Upgrading der Armee bläst tatsächlich frischen Wind ins Genre. Wenn man bei anderen Spielen gerade mal die Grundfestung errichtet hat, sind bei Battleforge die entscheidenden Schlachten bereits geschlagen.

Bevor es los geht stellt sich der Spieler ein 20er-Kartenset aus vier Basiskartensets zusammen. Dabei hat er die Wahl zwischen Feuer (offensiv), Frost (defensiv), Natur (regenerativ) und Schatten (tja, irgendwie nekro mit vielen Flüchen). Vom Fleck weg werden dann die Kreaturen durch Ausspielen der Karten auf den Schirm gezaubert. Begrenzt wird der Ausbau der Armee nur durch den Energiefluss, der mit der Eroberung von weiteren Brunnen gesteigert wird, sowie durch so genannte Sphären-Monumente. Hält der Spieler nur ein solches Monument, kann er auch nur Karten der ersten Kategorie spielen, mit jedem weiteren werden die höherwertigeren Karten freigeschaltet. Erst mit vier Monumenten einer Farbe kommen die wirklich beeindruckenden Monster, Gebäude und bildschirmfüllenden Zaubersprüche zum Einsatz.

Ich will hier gar nicht allzu sehr ins Detail gehen, deshalb nur mal ein paar Dinge, die “Battleforge” richtig gut macht:

Instant Action bedeutet pausenlose Action: in keinem anderen Echtzeitstrategie-Spiel geht es so unkompliziert und schnell zur Sache, was dem Spiel eine enorme Dynamik verleiht.

Die Einheiten sind durch die Bank wirklich sehr fantasievoll gestaltet und grandios animiert. Und das gilt für die kleinsten Skelett-Krieger genau so wie für Mega-Drachen der Stufe vier. Schade nur, dass es nicht noch mehr so lustige Zaubereien gibt wie den Fluch des Grunzens, der Gegner in kleine, harmlose Schweine verwandelt.

Selbst hartnäckige Einzelspieler wie ich werden schon nach drei, vier Maps direkt in den Mehrspielermodus gezogen. Zunächst in kooperativen Missionen, später auch in den Wettstreit. Erwähnenswert ist auch, dass bei den Koop-Spielen die Auswahl der richtigen Sets eine Rolle spielt: In einem frühen Level müssen etwa zwei Spieler im Westen der Karte eher defensiv ausgerichtet agieren, während die beiden Spieler im Osten offensive Aufträge erhalten.

Ein weiteres Higlight der ohnehin gelungenen Präsentation ist die Schmiede. Auf dem Hauptscreen außerhalb der Missionen kann der Spieler jederzeit seine Karten ausspielen und gegen Sparrings-Einheiten antreten lassen und so in Ruhe mögliche Kombinationen erproben.

Last, but not least: “Battleforge” wird immer besser, je länger man sich mit den zur Verfügung stehenden Karten beschäftigt. Einheiten können mit Zusatzkarten aufgerüstet werden. Und wenn man die Karten aufeinander abstimmt, hält man bald nur noch seine liebgewonnenen Favoriten in der Hand.

Die Story ist gaga

Ein paar Wermutstropfen gibt es natürlich auch: So sind die Kämpfe, gerade wenn mehrere Parteien zu Gange sind (möglich sind bis zu zwölf Spieler im Koop-Modus), oft etwas unübersichtlich. Dann ist es kaum noch möglich, einzelne Spezialfähigkeiten der Einheiten zu aktivieren. Die Story ist Fantasy-Gaga der schlimmsten Sorte und wird nur in einem unhandlichen Kompendium zum durchblättern dargeboten. Und dann ist da noch das Sammelkartenbezahlmodell. Zwar verfügt der Spieler nach Investition seiner 3000 Battleforge-Punkte über einen recht ansehnlichen Kartenstapel, der zunächst auch ohne weitere Ausgaben für Chancengleichheit auf den Schlachtfeldern sorgt. Doch wer weiß, ob die Ausgewogenheit auch in Zukunft so bleibt. Und ein Booster-Pack mit acht virtuellen Karten schlägt mit teuren 2,50 Euro zu Buche. Mit der integrierten Tauschbörse als Alternative lassen sich teure Zukäufe aber auch umgehen.

Insgesamt ist “Battleforge” ein rundum gelungener Strategie-Mix, der mit seinen Quickies (kaum ein Level dauert länger als 45 Minuten) für Abwechslung im Genre sorgt. Die Präsentation ist über jeden Zweifel erhaben. Und letztendlich: auch ohne Zukauf von Karten kann man sich hier stundenlang austoben. Zweifelnden Echtzeitstrategie-Puristen sei aber zunächst die aussagekräftige Demo ans Herz gelegt.

“Battleforge”, PC, ab 12 Jahren, ca. 50 Euro, auch über Steam erhältlich.

Endlich, endlich ist es da! Lange haben wir auf die PC-Version von “Braid” gewartet. Auf Xbox Live Arcade gibt es das Indie-Game von Jonathan Blow immerhin schon seit dem 6. August 2008 – es hat sich dort, bei Gamern und Kritikern gleichermaßen, zu einem der beliebtesten Spiele entwickelt. Auf den ersten Blick sieht “Braid” wie ein herkömmliches Jump’n'Run-Game aus, mit Super-Mario-artigen Plattformen, putzigen Monstern und einem rundlichen Rotschopf als Hauptdarsteller.

Tim, so heißt der kleine Racker, will eine Prinzessin befreien, die von einem “schrecklichen und bösen” Drachen entführt wurde. Hier endet aber auch schon das Klischee. Denn Tim kann die vielen Rätsel auf seinem Weg nur lösen, indem er die Zeit manipuliert. Das ist doch nix Neues, möchte man einwenden, schließlich wird auch in Spielen wie “Timeshift” oder “Prince of Persia: Sands of Time” heftig an der Uhr gedreht. Doch in “Braid” geht die Manipulation weit über das reine Zurückspulen und Wiederablaufenlassen hinaus. In der Welt “Time and Mystery” zum Beispiel sind einige Objekte vom Zurückspulen ausgenommen. In “Time and Place” läuft die Zeit vorwärts oder rückwärts, je nachdem, ob sich Tim nach rechts oder links bewegt. Und in “Hesitance” kann unser Held die Zeit in seiner unmittelbaren Umgebung mit Hilfe eines Ringes verlangsamen. Ganz schön verspult.

So verzwickt die Zeit-Rätsel in “Braid” sind, so undurchsichtig ist auch die Handlung. Scheint das Ziel anfangs noch klar, tauchen nach und nach immer mehr Fragen auf: Will die Prinzessin überhaupt gerettet werden? Ist Tim vielleicht nur ein Stalker? Existiert die holde Angebetete am Ende nur in seiner kranken Phantasie? Vielleicht können die Puzzle-Teile, die Tim unterwegs aufsammelt, zur Lösung des Rätsels beitragen. Das Spiel bereitet uns eine Menge Kopfzerbrechen. Wir zermartern uns aber bereitwillig das Hirn, denn Jonathan Blow hat mit “Braid” ein wahres Kunstwerk geschaffen – Gameplay, Grafik und Sound machen es zu einem unvergesslichen Spielerlebnis.

Die PC-Version von “Braid” gibt es u.a. auf Steam (12,99 Euro).
Demo auf Gamersgate
Website zum Spiel

Bleib auf dem Weg. Eine andere Regel gibt es nicht. Aber genau diese Regel musst du brechen. Und wenn du sie brichst, wirst du sterben. Was ist das bitteschön für ein Spiel? Ist es überhaupt ein Spiel? “The Path” bringt den routinierten Gamer-Alltag gehörig durcheinander.

Jeder kennt das Märchen von Rotkäppchen und dem bösen Wolf. Wobei man von “dem” Märchen eigentlich gar nicht sprechen kann. Die frühen Versionen sind blutig und düster und nicht so weichgespült wie die späteren Fassungen. Bei der von Charles Perrault (1697) sind Rotkäppchen und seine Großmutter am Ende tot: vom Wolf gefressen, basta. Die Brüder Grimm (1812) fanden das zu hart und schufen einen Jäger, der dem Wolf den Bauch aufschneidet, die Opfer rausholt und stattdessen Wackersteine reinpackt, an denen der Wolf schließlich stirbt. Ein Happy End der derben Sorte.

Würden die Grimms im 21. Jahrhundert leben und Games programmieren, wäre “Rotkäppchen” ein Shooter und hieße “Wolfenwald” oder so ähnlich. Zumindest wäre das Spiel nicht besonders einfallsreich. Also lassen wir die Märchenbrüder in Frieden ruhen und wenden uns lieber einem Stückchen Software zu, das tatsächlich Mitte März auf den Markt gekommen ist: “The Path”, ein “kurzes Horror-Spiel” (Eigenbeschreibung) aus der belgischen Spiele-Schmiede Tale of Tales (ToT). “Psycho-Experiment” ist wahrscheinlich der bessere Ausdruck.

“The Path” präsentiert uns zu Beginn nicht nur ein Rotkäppchen, sondern gleich deren sechs: Die Schwestern Robin, Rose, Ginger, Ruby, Carmen und Scarlet wohnen mit ihrer Mutter in der Stadt. Die jüngste, Robin, ist gerade mal neun Jahre alt, die älteste, Scarlet, ist 19. Dann gibt es da noch die Großmutter, sie wohnt abseits der Stadt in einem riesigen Waldstück und ist sehr krank. Eine nach der anderen sollen die Mädchen sie nun besuchen, ihr Gesellschaft leisten. Der Weg zum Haus der Großmutter führt über eine schnurgerade Straße mitten durch den Wald – “Stay on the path” gibt die Mutter ihren Kindern mit. Wenn es denn so einfach wäre.

Denn wer bleibt schon gerne auf dem langweiligen Waldweg, wenn links und rechts geheimnisvolles Zwielicht lockt? Aber gut: Ich teste Spiele, ich teste ihre möglichen Schwächen, und deshalb lasse ich Carmen, die ich als erste gewählt habe, einfach mal geradeaus durch den warmen Sonnenschein spazieren. Nach einem völlig ereignislosen, endlos langweiligen Fußmarsch betrete ich das Haus der Großmutter. Und muss gleich feststellen, dass es drinnen sehr viel weniger heimelig ist als draußen. Düstere Räume, rotglühende Türen, die David Lynch ersonnen haben könnte, und dazu Tapeten wie aus einem LSD-Trip: nie war Bausparen fragwürdiger. Wie auf Schienen zieht es mich hinauf in den ersten Stock, wo die Großmutter bewegungslos auf ihrem Bett liegt. Am Kamin steht ein ausgestopfter Wolf. Haha. Und jetzt?

Junkies im Wald

Dass es mit solch regelkonformer Geradlinigkeit nichts werden kann, merke ich spätestens nach dieser ersten Episode. “Wolf encountered: 0. You failed” hat mich eine Zwischenstatistik gerade nachdrücklich auf mein Versagen hingewiesen. Jetzt soll es besser werden. Ich laufe als zweitälteste Schwester Carmen ein paar Alibi-Schritte und schlage mich dann blitzschnell in die Büsche. Erster Eindruck: Der Wald könnte gruseliger sein. Die Bäume stehen reichlich weit auseinander, dazwischen wachsen zarte Schattenpflanzen. Alles sieht irgendwie gleich aus. Ich laufe ein paar Schritte und versuche mir die Richtung zu merken, aus der ich gekommen bin. Doch als ich mich umdrehe, ist die Straße verschwunden. So langsam geht mir jetz auch die Musik auf die Nerven, ein mehrstimmiger Frauengesang mit immer wiederkehrendem Lamento. Zwischen den Bäumen taucht ein Gespenst auf, eine halbdurchsichtige Mädchengestalt im weißen Kleid. Sie scheint neugierig zu sein, läuft dann aber weg. Ich hinterher. Die Verfolgungsjagd endet an einem Baumstumpf. Auf der glatten Schnittfläche liegt eine Spritze. Vor meinem inneren Auge erscheint eine weiße, zitternde Schrift, offenbar Carmens Gedanken: “Junkies. They’re everywhere. This needle won’t send a poor devil to his fate anymore.”

“The Path” ist ein Spiel, das konsequent an unserer Verunsicherung arbeitet. Ist man erst einmal in den endlosen Weiten des Waldes verloren gegangen, stößt man auf immer neue seltsame Orte und Gegenstände: Autowracks, Badewannen, eine Theaterruine und ein Holzfällercamp. Mitten im düstersten Dickicht gibt es sonnendurchflutete Lichtungen, auf denen Blumen blühen und Vogelscheuchen vor sich hinmodern. Wüsste man doch wenigstens, wonach man suchen soll! Immerhin wird klar, dass die Mädchen ganz unterschiedlich auf ihre Entdeckungen reagieren: mal kindlich-naiv, mal abgeklärt, mal zynisch. Die Schwestern scheinen so etwas wie ein kollektives Gedächtnis zu besitzen: Jede Erfahrung, jeder Gedanke, wird in ihrem gedanklichen Inventar gespeichert und ist auf späteren Streifzügen abrufbar. Das Problem: Mit dem Gedanken an ein Messer kann man sich nicht gegen einen Wolf verteidigen. Oder doch?

Früher oder später wird man einem Wolf begegnen – das ist die Gewissheit, die “The Path” zu einer zwiespältigen Erfahrung macht. Und Wölfe müssen keine Pelze tragen, das wusste schon der gute alte Charles Perrault. Er wollte sein Märchen als Warnung verstanden wissen: Junge Mädchen sollten sich nicht mit Sittenstrolchen einlassen, sonst werde es ihnen schlecht ergehen. “Wir haben das als Basis für unsere Story genommen”, sagte Michael Samyn von ToT, “und mit zeitgenössischer Komplexität ausgestattet. Zum Beispiel der Frage: Wer ist eigentlich der Schuldige? Ist es der Wolf, der nicht anders kann, als junge Mädchen zu verspeisen? Oder ist es das Mädchen, das neugierig ist, was passiert, wenn es sich mit dem Wolf einlässt?” In “The Path” muss man sich ständig zwischen Freiheit und Sicherheit entscheiden. Es gibt schlichtweg keine Regeln, die einem sagen, was gut oder schlecht wäre. Selbst die kurz aufblinkende Landkarte verwirrt mehr, als dass sie hilft. Auch die leuchtenden Kleeblätter, die man wie Boni zwischen den Bäumen aufsammelt, sind letztlich auch nur eine ironische Anspielung auf das Highscore-Prinzip. Wahrscheinlich sind sie völlig nutzlos.

“The Path” ist ein Kunstwerk, das nahtlos an die früheren ToT-Erzeugnisse anknüpft. Bleibt die Frage: Ist es auch ein Spiel, das Spaß macht? Die Düsternis, die Melancholie und die Langsamkeit des Gameplays werden viele Gamer abschrecken. Mehr als einmal war ich kurz davor, “The Path” abzubrechen, weil schlichtweg kaum etwas passierte. Dann wieder gab es Momente, in denen die bedrohliche Atmosphäre nur sehr schwer auszuhalten war. Um meine Spielfiguren war ich stets in echter Sorge – auch wenn ich wusste, ich würde wohl nicht nur eine opfern müssen, um hinter das Geheimnis des Waldes zu kommen. Blind nach den Grenzen tasten, als Spielfigur erwachsen werden: Keine sehr angenehme Erfahrung, aber eine, wie man sie nur in ganz wenigen Computerspielen macht.

“The Path”
Entwickler/Publisher: Tale of Tales
Preis: 7,90 Euro
Website zum Spiel

Es ist ein magischer Augenblick: Kaum ist der Kreis gezeichnet, wird er lebendig und rollt, der Schwerkraft folgend, eine Rampe hinunter. Schnell zeichnet man ein Viereck und lässt es auf das untere Ende der Rampe fallen, damit der Kreis nicht in den Abgrund stürzt. Dieses Gefühl, aus dem Nichts bewegliche Objekte formen zu können, entfesselt Kreativität. Den Abgrund da, den könnte man doch mit einem Seil überwinden … oder einer Treppe … oder einem Katapult: deinen schöpferischen Möglichkeiten sind in “Crayon Physics Deluxe” fast keine Grenzen gesetzt. Was immer man mit bunter Kreide auf das knittrig-gelbe Papier zeichnet, erwacht als 2D-Objekt zum Leben. Ziel des Spiels ist, mit Hilfe der Objekte einen kleinen roten Kreis ins Ziel zu bewegen – und dabei die Gesetze der Schwerkraft möglichst geschickt zu nutzen.

“Crayon Physics Deluxe” (CPD) hat letztes Jahr beim in San Francisco den Hauptpreis gewonnen. Am 7. Januar dieses Jahres erscheint das Spiel nun für den PC. Für iPhone und iPod Touch ist es bereits seit dem 1. Januar verfügbar. Veröffentlicht hatte der Finne Petri Purho sein “Crayon Physics” ursprünglich als Freeware. Nicht zuletzt durch ein Youtube-Video (siehe oben) wurde CPD aber schnell so populär, dass Purho die Bezahlversion “Deluxe” folgen ließ: mit mehr Leveln und mehr Interaktionsmöglichkeiten. Die Idee eines mechanischen Puzzle-Spiels ist zwar nicht gerade neu – man denke nur an “Crazy Machines” oder “Armadillo Run”. Doch Purho ist es gelungen, den Minimalismus der Spiel-Idee mit kindlicher Grafik und einem hypnotischen Soundtrack à la “Air” zu einem Gesamtkunstwerk zu verschmelzen.

Hoher Wiederspielwert

Die ersten Level in CPD sind noch sehr leicht zu lösen. Mit einfachen Rampen, Brettern und Schaukeln bringt man die rote Kugel ins Ziel. Kniffliger wird es schon, wenn man den kleinen Ball auf höher gelegene Plattformen transportieren muss – beispielsweise mit einem Korb, der an einem Seil hängt, das wiederum von einem Gewicht nach unten gezogen wird usw. Oft bieten sich mehrere Lösungsmöglichkeiten, was auch die einzige Schwachstelle dieses hervorragenden Spiels ist: Wählt man den direktesten Weg, sind viele Level zu einfach. Natürlich ist eine komplexe Konstruktion mit Seilen, Gewichten und Katapulten viel schöner anzuschauen als eine schnöde Linie, über die der Ball geradewegs ins Ziel rollt. Aber Computerspieler sind nunmal darauf trainiert, den direktesten Lösungsweg zu wählen. Immerhin: Spätestens beim zweiten Mal werden sie versuchen, einen anderen Weg zu finden – der Wiederspielwert von CDP ist folglich hoch.

Die Schwierigkeitsstufen von CPD sind grafisch als Inseln auf einer von Kinderhand gezeichneten Meereskarte dargestellt. Fünf bis zehn Level gruppieren sich auf jeder Insel und müssen durchgespielt werden, bevor man mit einem putzigen Schiffchen auf das nächste Eiland übersetzen darf. Der Schwierigkeitsgrad steigt nur langsam an, erst die letzten 19 Level bereiten wirklich Kopfzerbrechen. Mit dem integrierten Level-Editor dürfte es auf absehbare Zeit keine Nachschub-Probleme geben. Jeder Spieler kann seine Eigenkreationen der CPD-Community zur Verfügung stellen – einige gelungene Beispiele gibt es hier.

Fazit: CDP ist Spielen im besten Sinne: eine simple Idee eröffnet eine Fülle von Variationsmöglichkeiten. Damit ragt CPD weit aus der Masse der Mainstream-Games heraus. Es macht einfach einen Riesenspaß, mit der Computermaus schnell ein paar bunte Kreidestriche aufs Papier zu werfen und dann zu beobachten, ob der ausgedachte Mechanismus funktioniert. Besonders intuitiv geht das natürlich mit Tablet-PC und elektronischem Zeichenstift.

Die Website zum Spiel

Quelle: www.tagesspiegel.de (Erstveröffentlichung)

Die San Francisco Bay steht in Flammen. Riesige Raumschiffe verdunkeln den Himmel, Schwärme von Jagdbombern ziehen ihre Kreise und legen Skyline und Golden Gate Bridge in Schutt und Asche. Die Außerirdischen, so scheint es, haben gesiegt – nach Russland und Europa haben sie nun auch die USA überrannt. Wir schreiben den 15. Mai 1953.

Am anderen Ende der Frisco Bay steht Sergeant Nathan Hale und betrachtet das Schauspiel, das sich ihm bietet. Hale hat in Großbritannien gegen die Invasion der Chimären gekämpft. Die Aliens schleppten ein Virus ein, das die meisten Menschen zu Monstern mutieren ließ. Auch Hale wurde infiziert, doch wie durch ein Wunder kam das Virus bei ihm nicht völlig zum Ausbruch, sondern ließ seinen Körper stärker und widerstandsfähiger werden. Selbst halb Chimäre, stellt er sich nun mit seiner Elite-Truppe, den Sentinels, der übermächtigen Alien-Streitkraft entgegen.

Ruckelfreie Massenszenen

Die Invasion der Frisco Bay zählt zu den vielen grafisch überwältigenden Momenten in “Resistance 2″. Schon in der Eingangssequenz setzt Entwickler Insomniac Games ganz auf die Macht der Bilder: Eine Forschungsbasis in Island wird von turmhohen “Goliath”-Kampfrobotern attackiert, und während Hale den Giganten per Raketenwerfer zusetzt, bekommen wir bereits eine Ahnung von den Möglichkeiten der potenten Grafikengine: hochdetaillierte, ruckelfreie Massenszenen, bei denen die Kinnlade willig herunterklappt. In Nathans Haut hasten wir von Level zu Level, ballern uns durch massive Angriffswellen der Chimären und nehmen es mit jedem noch so übermächtig scheinenden Endgegner auf.

Wenn Insomniac an etwas nicht gespart hat, dann ist es gewiss die Grafik. Anders sieht es da schon mit dem Drehbuch aus. Die Handlung kommt schleppend in die Gänge, und hätten wir nicht den Vorgänger “Fall of Man” gespielt, wüssten wir wohl kaum, welche Vorgeschichte Nathan Hale eigentlich hat. Die Sentinel-Kollegen bleiben seltsam blass, obwohl sie stundenlang an Nathans Seite kämpfen; es sind völlig austauschbare Figuren ohne eigenen Charakter. Das ist umso enttäuschender, weil spätestens seit “Half-Life 2″ klar ist, wie digitalen Figuren Leben einhaucht werden kann – man denke nur an Alyx Vance und ihren Roboter Dog. Obwohl in “Resistance 2″ das Überleben der Menschheit auf dem Spiel steht, verhalten sich die Hauptpersonen ungefähr so emotional wie Finanzbeamte bei der Erstdurchsicht einer Steuererklärung. Nathan Hale, der doch eigentlich mit dem Chimären-Virus ringt und dringend ein Gegengift benötigt, joggt durch die Level wie ein frisch verjüngter Wellness-Papst.

Schmale Story

Die fantastischen Effekte, die “Resistance 2″ in Hülle und Fülle bietet, verkommen angesichts der schmalen Story stellenweise zur Technik-Leistungsschau. Natürlich macht es Spaß, durch einen überfluteten Keller zu waten und zu sehen, wie sich auf der Wasseroberfläche leichte Wellen ausbreiten, die sich dann physikalisch korrekt an den umliegenden Kanten brechen. Und natürlich ist die Szene auf dem Verteidigungsturm hervorragend inszeniert: Wir haben uns gerade mühsam bis auf die oberste Plattform vorgekämpft, als ein unangenehmes Rasseln und Zischen die Luft erfüllt. Unwillkürlich blicken wir nach oben und sehen ein gigantisches wurmartiges Insekt, der sich um die Spitze des Turms windet. Selten hat man ein so glaubwürdig animiertes Computerspielmonster gesehen.

Grafik und Inhalt finden in “Resistance 2″ erst spät zu einer starken Einheit. Wobei auch die Grafik nicht gegen Fehler immun ist: Gerade die Innenareale – Lagerhallen, Tunnelsysteme, Raumschiffe, Abwasserkanäle – bieten oft erstaunlich verwaschene Texturen, die eines PS3-Titels unwürdig sind. Offensichtlich haben sich die Grafikprogrammierer nur an ganz bestimmten Punkten Mühe gegeben. Das Gleiche gilt fürs Level-Design: beeindruckende Architektur, tolle Lichteffekte, aber kaum Gegenstände, die dem neugierigen Spieler Interaktionsmöglichkeiten bieten. Rätsel gibt es keine, stattdessen wird der Spieler wie auf Schienen durch die Level geschleust – fairerweise muss man dazusagen, dass nur die allerwenigsten Shooter echte Wahlmöglichkeiten bieten. Immerhin erfordern die Kämpfe ein gewisses strategisches Geschick, zumal Nathan nur zwei Waffen tragen kann – und die wollen gut gewählt sein. Bei den Monstern gibt sich Insomniac keine Blöße – von der harmlosen Assel bis zum 50-Meter-Kraken ist alles dabei.

Fazit: “Resistance 2″ nutzt das Rechenpotenzial der Playstation 3 so richtig. Die Handlung kommt schleppend in Gang, weiß dann aber immer mehr zu fesseln. Atmosphärisch macht der Insomniac-Shooter einiges her, nicht zuletzt wegen des packenden Soundtracks und der stimmigen Synchronisierung. “Resistance 2″ toppt “Fall of Man” in nahezu allen Bereichen, erfindet aber das Shooter-Rad nicht neu. Die Singleplayer-Kampagne bietet rund zwölf Stunden gute Unterhaltung, ein Kauf des Spiels lohnt sich aber vor allem für Multiplayer-Fans, die sich über Koop-Gefechte und Schlachten mit 60 Duellanten freuen können. (Von Lord Akim)

Die Website zum Spiel